20世纪及以后

19世纪的主要表演机构一直延续到21世纪，只有最小的结构变化，除了一个相当迟来的运动工会化的人员;当然，这种发展大大改善了表演者的命运，同时也增加了演出的成本。毫无疑问，对20世纪产生了重大影响音乐表现是电子学。广播和录音进一步扩大了潜在的听众音乐会艺术家们，与此同时，他们倾向于减少大型新公共表演场地的物理必要性。电子仪器既有老式乐器(吉他，钢琴，甚至一些木管乐器)的放大版本，也有基本上带有电子手段的乐器语气生产(电子钢琴和管风琴，特雷门而且马特诺琴声音合成器，以及后来的发展)。其他新的作曲和演奏的可能性也出现了——例如，电影、磁带、立体声和计算机。甚至在留声机发明之前c。1875年)开始被认为不仅仅是玩具，对古老音乐的真实表现的认真研究已经产生了一种意识，指出了最近的出路浪漫的巨人主义和主观主义。从20世纪初开始，室内音乐会由阿诺德Dolmetsch他的家人通过重建旧的甘巴琴和录音机，吸引了人们对小型合奏团和不同音调的注意，并鼓励了其他艺术家的活动。

浪漫主义时代的真正结束和现代时代的开始可以追溯到20世纪的第二个十年作文他是德国作曲家，这是他的两部最背离19世纪表演理念的杰作阿诺德勋伯格的小丑Lunaire(1912)和俄国作曲家伊戈尔斯特拉文斯基的士兵的历史(1918);士兵的故事)．这些都是室内乐，但它们的乐器构成是一种独特的乐器组合，不一定是混合的，而且似乎进一步否定的管弦乐队作为一种表演媒介。小丑是一系列否定19世纪的歌曲吗撒了谎:声音不是唱歌，而是发出一种有音调的声音(诵唱)．故事否定无论是管弦乐队还是歌剧，正如之前所理解的那样:它是专门(而且便宜)设计的，由三名舞者、一名叙述者和七名乐器演奏家在便携式舞台上表演。这些作品需要一种新型的表演者，而这些作品反过来又有助于训练新的表演者，他们可以被称为group-virtuoso。随后，这样的表演队或团体如雨后春笋般出现。他们通常以在世的作曲家或他或她任教的大学为中心，在创作过程中扮演着伙伴的角色，实现作品而不是诠释它。这些表演者非常投入于创作行为，创作的产物反映了他们独特的技能和个性动力学工作情况。21世纪最具影响力的作曲家之一是约翰·亚当斯，以混合而闻名多样化的音乐的genres-including爵士乐他的作品中包括流行媒体、政府文件、个人采访和其他来源的声音文本。

自20世纪中期以来，既定的表演情况已经从过去的正式、仪式化的活动转变为一种更非正式和自发的聚会类型。各种媒介的相互作用产生了新的艺术形式和环境。许多艺术家都试图创造一种表演情境，让所有在场的人都积极参与其中。在这样的作文在美国，作曲家、表演者和听众的角色被整合在一个单一的参与者身上，他在与他人的互动中到达了一个艺术作品，这个作品是所有人都发明、实现和感知的，并且永远不会以完全相同的方式再次发生。另一方面，技术的日益使用加剧了评价电子制作和组装的表演的意义和效果的问题，这些表演从整体上来说从来没有发生过，也可能永远不会发生。

电子媒体不断改进，任何人都可以从世界任何地方选择室内、音乐会、歌剧和其他新形式的表演，通过近乎逼真的复制设备体验它们。大量的人可以通过与伟大艺术家的双向传播来学习表演技巧。随着私人音乐演出的增加，实际公开演出的次数可能会减少。现在已经出现了一种现象，即伟大演奏家的唱片被广泛传播，这迫使现场表演的质量标准达到了近乎不人道的高度，并增加了人们对古代和当代音乐表演的兴趣。

南亚

虽然古典南亚还是印度的音乐家通常在一个音乐会的情况下表演类似的与西方艺术家的作品相比，他们的观众对他们的反应截然不同:对他们的评价不是看他们如何忠实地再现了作曲家想象的音乐，而是看他们在作曲家和音乐大师所设定的广阔范围内创作出了自己的音乐一般实践印度音乐。因为印度的音乐表演是以即兴创作，印度音乐剧教育学因此，这是一个更加个人化的过程，在这个过程中，有抱负的音乐家将自己“学徒”到一个大师，其后便与他们确认身份;在西方，这种组织反映在上面讨论的团体艺术大师的崛起中。同样，西方国家远离大型演出团体(如管弦乐队)的发展反映了更多的问题——或者至少是平行表演亲密的这是印度音乐的特点，它的基本结构通常涉及一个相当小的演唱组:一个演奏者节奏在鼓上，如双头，倾斜的手鼓;提供一种基本的低音，通常像鲁特琴一样坦布拉琴；以及锡塔琴的核心演奏者(技术上也是一种拨弦鲁特琴，但具有旋律能力，不像锡塔琴坦布拉琴)．演奏者经常进行一种类似于西方爵士乐队的比赛。如果有的话唱歌，演唱风格低沉柔和，与印尼古典声乐形成鲜明对比。

东南亚

的佳美兰是印尼艺术音乐传统的中心。它的大小可以从几个到超过75个乐器不等。最基本的旋律乐器是沙龙(青铜木琴)，伴随着各种锣，一种弓形鲁特琴，一种录音长笛和/或一种古筝;这个乐队由一名鼓手领导。就像在中世纪的西方音乐美国有两种佳美兰演奏，一种强调青铜乐器(类似于中世纪上流社会的另一种是管乐器和弦乐器(bas或软组)。在印度支那音乐中，以打击乐器为主的对比也存在着类似的区别π酷毙了乐队泰国和弦乐为主mahori泰国和柬埔寨的部落。佳美兰演奏，特别是较柔和的类型，经常伴随着古典诗歌的独奏和合唱(音乐与大多数印度尼西亚文学有关)。东南亚的声乐表演——就像许多非西方艺术音乐一样——以紧张、高亢、经常带有鼻音的声音为特征;这只是众多例子之一选择被更具实验性的20世纪西方作曲家和表演者所探索。

中国和日本

最广泛发展和最重要的中国人日本的音乐表演传统与戏剧风格和传统密切相关。也许非西方表演传统中最壮观的是中国戏曲，在这种表演中，歌手、杂技演员、服装、布景和乐器结合在一起，创造出一种高度多样化的艺术作品。京西（京剧)使用两种基本的仪器:武昌(用于军事场景的)一组鼓、锣、钹和一种双簧管(唢呐)演奏旋律;文昌，对于更频繁的家庭场景，种类更广，以鼓为基础(bangu)，以一种特别尖锐的噼啪声来计时，还有许多双弦弓形琵琶(huqin，特别是京沪)演奏时，琴弓在琴弦之间穿梭。拨弦琵琶(值得注意的是月琴)和笛子(通常是迪)有时也会出现。所有的旋律乐器与歌手一起演奏，歌手的唱腔风格，像西方一样，是高度做作的。女主人公通常(有时是由女性模仿者)用高而细的声音来刻画;英雄使用喧闹的刺耳的音调对传统的西方人的耳朵来说很陌生，但是，再一次，与20世纪西方先锋作曲家所要求的一些声乐技巧没有什么不同。一种特殊的表演传统日本是强调制作音乐的视觉方面:定制指导吗雅乐(宫廷管弦乐队)乐器必须演奏得尽可能优雅。